ถ้าคุณจริงจังกับการใช้คลังเสียงเครื่องสาย MIDI ในบทเพลงของคุณ ไม่ว่าจะเป็นดนตรีประกอบภาพยนตร์หรือเพลงร็อกบัลลาดสุดอลังการ บทความนี้จะช่วยเพิ่มพลังดึงดูดทางอารมณ์และการแสดงออกให้กับการแสดงของคุณด้วย การสร้างเสียงเครื่องสาย MIDI ที่สมจริง
เมื่อคุณเพิ่งแต่งดนตรีเครื่องสายวงออเคสตร้าที่สวยงามเสร็จ แต่งรู้สึกว่ามันฟังดูแปลกๆ ไม่ค่อยสมจริงเลย Sample เสียงเครื่องสายวงออเคสตร้าสมัยใหม่นั้นมีคุณภาพสูงมาก เหนือกว่ารุ่นก่อนหน้าหลายเท่า แต่เรายังคงประสบปัญหากับการทำให้ตัวอย่างเสียงเหล่านี้ออกมาเหมือนวงออเคสตร้าเหมือนเล่นสดไม่ได้ ปัญหานี้เกิดขึ้นบ่อยครั้ง โดยเฉพาะกับโปรดิวเซอร์วงออเคสตร้ารุ่นใหม่ เนื่องจากเราคาดหวังว่าคลังเสียงราคา $400+ เหล่านี้จะมีโซลูชันเบ็ดเสร็จสำหรับปัญหาความสมจริงของเรา
แต่โชคดีที่เทคนิคที่จำเป็นในการสร้างความสมจริงนั้นทำได้ง่าย เพียงแค่ต้องมีความรู้เล็กน้อยและการมิกซ์อย่างพิถีพิถัน ก่อนที่เราจะเริ่ม ตรรกะในการสร้างความสมจริงกับการผลิตเครื่องสายวงออเคสตร้าถือเป็นเรื่องที่ค่อนข้างซับซ้อน โดยเฉพาะอย่างยิ่งถ้าเราแยกย่อยออกไปเป็นแต่ละเซคชั่นของวงออเคสตร้า บทแนะนำนี้จะเน้นเฉพาะพื้นฐานของความสมจริงในการผลิตเครื่องสายวงออเคสตร้า
1. การเขียนPart เครื่องสายที่สมจริง
การเขียน Part เครื่องสายที่สมจริง อันดับแรก: เครื่องสายที่สมจริงนั้นอาศัยการเขียนที่สมจริง การเขียนอะไรก็ตามที่นึกขึ้นได้ขณะทำงานใน DAW (Digital Audio Workstation) นั้นเป็นเรื่องที่ใครก็ต้องทำ เนื่องจากความยืดหยุ่นที่ MIDI มอบให้นั้นเป็นเสมือนกระดานเปล่าทางความคิดสร้างสรรค์ นี่เป็นเหมือนหลุมพรางที่พบได้บ่อยๆ เมื่อเขียนสำหรับเครื่องสายวงออเคสตร้า เนื่องจากความคิดของเราสามารถสร้างสรรค์พาร์ทที่สวยงามซึ่งอาจไม่สามารถเล่นได้โดยถ้าเป็นวงจริงๆ
สิ่งแรกที่ต้องพิจารณาคือธรรมชาติของเครื่องดนตรี เครื่องสายมีช่วงเสียงสูงและต่ำสำหรับโน๊ตที่พวกมันสามารถเล่นได้อยู่แล้ว และบ่อยครั้งโน๊ตในช่วงเสียงสูงอาจฟังดูอึดอัดหรือบาง นักดนตรีสามารถเล่นโน๊ตในช่วงเสียงต่ำของช่วงเสียงของพวกเขาได้อย่างประณีตกว่า นั่นไม่ได้หมายความว่าช่วงเสียงสูงนั้นหมดโอกาส เพียงแค่จำไว้ว่าพวกมันจะมี Timbre ที่แตกต่างจากช่วงเสียงต่ำ
ถัดมาเราจะพูดถึงการเรียบเรียงพาร์ทเครื่องสายและการเขียน 4 พาร์ทฮาร์โมนีแบบง่ายๆ ก่อน
ตอนนี้ที่เรารู้จักช่วงเสียงของเครื่องดนตรีแล้ว เราสามารถแยกวิธีการเขียนพาร์ทสำหรับพวกมันได้
ตัวอย่าง: โซปราโน, อัลโต, เทเนอร์ และเบส โดยทั่วไป เราจะมอบหน้าที่เสียงที่สูงที่สุดให้กับไวโอลิน 1 เสียงที่สูงเป็นอันดับสองให้กับไวโอลิน 2 เสียงที่สูงเป็นอันดับสามให้กับวิโอลา และเสียงที่ต่ำที่สุดให้กับเชลโล่ ส่วนเบสมักจะเล่นทับกับพาร์ทเชลโล่ แตต่ำกว่าหนึ่งอ็อกเทฟ เพื่อสร้างรากฐานให้กับวง
โปรดจำไว้ว่าสิ่งเหล่านี้เป็นแนวทางปฏิบัติที่ดีที่สุด ไม่ใช่กฎตายตัว ตัวอย่างเช่น การให้ไวโอลิน 2 เล่นทับช่วงเสียงของไวโอลิน 1 อาจสร้างเอฟเฟกต์ที่ดังและทรงพลัง นอกจากนี้ ยังมีบางครั้งที่เราอาจต้องการสร้างคอร์ดที่หนาโดยใช้เฉพาะเครื่องสายแหลม ซึ่งสามารถสร้างเอฟเฟกต์ที่โล่งและอ่อนไหว
2. การใช้Velocity
การใช้ Velocity ทักษะที่สำคัญอันดับสองสำหรับการทำเสียงเครื่องสายให้สมจริงคือการใช้ Velocity และ Expression อย่างเหมาะสม เมื่อฟังนักดนตรีเครื่องสายบรรเลงสด คุณจะสังเกตเห็นว่าโน๊ตที่พวกเขาเล่นนั้นไม่ได้มีความดังเท่ากันตลอด ผมไม่ได้หมายถึงความแตกต่างเพียงเล็กน้อยระหว่างโน๊ตต่าง ๆ นะ ถึงแม้ว่ามันจะเป็นเรื่องสำคัญก็ตาม ผมกำลังพูดถึง envelope ความดังตามธรรมชาติที่นักดนตรีวงออเคสตร้าใช้
นักดนตรีวงออเคสตร้า โดยเฉพาะนักดนตรีเครื่องสาย รู้สึกถึงจังหวะในลักษณะที่ค่อนข้างเป็นเอกลักษณ์ พวกเขา downbeat เสมอ แต่พวกเขาไม่ได้เล่นมันด้วยความดังเต็มที่เสมอไป พวกเขามีระยะเวลาของ attack ของโน๊ตที่จะไปถึงจุดดังสุด ในส่วนที่เล่นแรงกว่า การ attack จะเป็นแบบสั้น (staccato) มากกว่า โดยมีหางเสียงแบบยาว (legato)
ประการแรก คุณต้องเข้าใจว่าคลังเสียงของคุณจัดการกับ MIDI Velocity อย่างไร คลังเสียงส่วนใหญ่ใช้สิ่งนี้เพื่อเปลี่ยนแปลงระหว่างระดับความดัง ในการเขียน ชีทมิวสิค (sheet music) เราใช้สัญลักษณ์อย่างเช่น p หรือ f เพื่อระบุว่า ควรเล่นช่วงดนตรีเบาหรือดัง ระดับความดังที่เล่นโน๊ตนั้นจะเปลี่ยน Timbre โดยรวมของโน๊ตนั้น โน๊ตที่เล่นเบา ๆ มักจะมีข้อมูลความถี่สูงน้อยกว่า ทำให้มีโทนเสียงโดยรวมที่นุ่มนวล ในขณะที่โน๊ตที่ดังกว่านั้นอาจฟังดูคม ชัดเจน หรือแม้กระทั่งฟังดูรุนแรงในบางครั้ง
3. การใช้Expression สำหรับLegato Phrases
การใช้ Expression สำหรับ Legato Phrases เราจะสร้างความรู้สึกพวกนี้กับสำเนียง Legato ยาว ๆ ได้อย่างไร เราไม่สามารถเปลี่ยน MIDI Velocity ของโน๊ตขณะที่มันกำลังเล่นอยู่ ดังนั้นตอนนี้เราจะมุ่งเน้นไปที่ Expression
Expression และ Velocity มีความคล้ายคลึงกันตรงที่ทั้งคู่ส่งผลต่อความดัง ความแตกต่างก็คือ Expression อาจส่งผลหรือไม่ส่งผลต่อระดับความดัง ขึ้นอยู่กับคลังเสียงและวิธีการเขียนโปรแกรม บางคลังเสียงรวมการเปลี่ยนระดับความดังและไดนามิกไว้ในคอนโทรลเลอร์ Expression (มักจะเป็นโมดูลวีล) ในขณะที่บางคลังเสียงไม่มี
4. การปรับแต่งให้มีความเป็นมนุษย์
การปรับแต่งให้มีความเป็นมนุษย์ สุดท้าย เราจำเป็นต้องปรับแต่งตำแหน่งโน๊ตของ MIDI ให้มีความเป็นมนุษย์ แนวคิดนี้คล้ายกับการปรับแต่ง Expression เพราะเราพยายามคำนึงถึงวิธีที่มนุษย์เล่นจังหวะ มันไม่ใช่เรื่องยุ่งยากอะไร และอาจจะง่ายแค่การใช้ฟังก์ชั่น Humanize ใน DAW ของคุณ
ตัวอย่างที่ดีคือกรณีที่คุณมีเครื่องสายทั้งวงเล่นคอร์ด การให้พวกเขาเล่นลงจังหวะตก (downbeat) พร้อมกันเป๊ะๆ ทุกตัวนั้นอาจฟังดูแปลก การใส่ความไม่สมบูรณ์แบบเล็กน้อยลงไปในการเล่นจังหวะ สามารถสร้างความแตกต่างได้อย่างสิ้นเชิง
เคล็ดลับ: บางคลังเสียงมีการบันทึก Expression ตามธรรมชาติไว้ในตัวอย่างเสียง แม้ว่าโดยรวมแล้วจะเป็นเรื่องที่ดี แต่มันก็อาจสร้างความหงุดหงิดบางครั้งเมื่อคุณพยายามทำให้ตัวอย่างเสียงของคุณเล่นลงจังหวะตรง ในกรณีเหล่านี้อาจจะดีกว่าถ้าปรับแต่งโน๊ต MIDI ด้วยตัวเองเพื่อให้เล่นลงจังหวะตรง เรื่องนี้เห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษในคลังเสียงเครื่องเป่าลมไม้
ตอนนี้คุณมีความเข้าใจที่แม่นยำเกี่ยวกับการเขียนพาร์ทและการปรับแต่งโน๊ต MIDI เพื่อความสมจริง ขั้นตอนต่อไปคือการมิกซ์พาร์ทเหล่านั้นโดยใช้เทคนิคการ imaging, EQ และ reverb
